Hay artistas que no solo marcaron una época, sino que lograron convertir su música en parte de la memoria colectiva de toda una generación. Ese es el caso de Magic Juan, una de las voces más emblemáticas del merengue house y el dance latino de los años 90.
Como líder de Proyecto Uno, llevó a las pistas de baile himnos que rompieron fronteras y redefinieron el sonido latino urbano mucho antes de que el género dominara la escena global. Su energía, carisma y estilo inconfundible lo convirtieron en un referente de la música tropical contemporánea.
Ahora, varias décadas después de aquel fenómeno musical, Magic Juan regresa al Perú este 12 de julio para presentar “Move ya body”. La cita será en Barley Bar de Pueblo Libre. Las entradas se pueden comprar en el mismo local o en el 961 456 344.
El líder de la emblemática banda de reggae, Tierra Sur, contó cuál fue la reacción de grupos religiosos a 'Llaman a la puerta', la canción más popular del reggae peruano. Ahora, se alista para celebrar su aniversario número 37 con un gran concierto este miércoles 8 de enero en Sala Osma, en Barranco.
Este 12 de junio vuelves a Lima para presentar tu nuevo tema “Move ya body”. ¿Qué expectativas tienes?
Sí, tenía mucho tiempo sin visitar Perú, un país que llevo en mi corazón, del que tengo muchos recuerdos desde mis inicios; y ya listo para llegar refrescado, con propósitos nuevos. A la misma vez estoy listo para dar un poquito de todo, para que vayan recordando de dónde nació este género musical y empezar a mover el cuerpo, como lo dice la canción.
¿Qué es lo que más recuerdas de Perú?
Fuera de la comida, la energía. Recuerdo esa locura de los fans. También me gustan los diferentes lugares, Cusco, Iquitos, ir a las dunas. O sea, tienen tantas cosas, tanta buena frecuencia, mucha cultura, eso siempre me ha fascinado; y, por supuesto, la gente.
Tu música se ha vuelto parte de las fiestas de varias generaciones en diversos países.
Sí. Lo que me da más placer de estar de gira es ver a las diferentes generaciones disfrutar de la música de uno, canciones que a veces tienen más edad que ellos y yo creo que es testimonio de la calidad de la música que se hizo en ese tiempo y, a la vez, el atrevimiento de mezclar música tropical con música urbana y que hoy ya es algo que está por todos lados, pero cuando empezamos a hacerlo no había nadie. Entonces, uno se siente superbién.
Cuando Proyecto Uno empezó a mezclar el merengue con el house y el rap en los 90, ¿intuían que estaban creando un nuevo género o solo buscaban retratar la vida de los latinos en Nueva York?
Sí, yo creo que sabíamos que estábamos haciendo algo especial. No pensé que iba a quedar como un género, pensé que iba a quedar como un estilo propio. Te conviertes en género cuando ya hay otros artistas que empiezan a adaptar el sonido y la mezcla. Hoy en día ves a muchos artistas urbanos o pop mezclando merengue, house y hip hop.
¿Hiciste historia musical?
Sabes que yo trato de no darle mucha mente a eso, porque si me pongo a pensar en eso, me quedo sentado y a mí me gusta estar moviéndome y tratando de seguir innovando, de seguir tocando a la gente y para eso uno no puede vivir en el pasado, uno no puede sentirse tan arriba. Yo me siento igual que cuando empecé, tratando de hacer diferentes cosas para tener alta frecuencia, para tocar a la gente, para darle alegría a la gente, para ver a las mujeres bailando, esas son las cosas que siempre me han llenado.
¿Cómo surgió “El tiburón”, que es el tema más emblemático de Proyecto Uno?
Mezclamos música que nos inspiró. Nos criamos escuchando R&B, merengue, música de Miami, house, hip hop y empezamos a mezclar todas esas cosas y, líricamente, empezó como un chiste, como lo del tiburón, que salíamos a alguna discoteca y llegaban unos hombres más rápidos que uno y entonces decíamos: “Wow, esos son unos tiburones”. Un día, cuando escuché la maqueta de la pista por primera vez, dije: “Vamos a hacer la canción del tiburón”, que era de lo que siempre hablamos y ahí empezó.
¿Y alguna vez fuiste un tiburón?
Ah, no (risas). Creo que antes, durante, después, pero hoy en día ya soy un tiburón como más tranquilo.
Si pudieras volver a los 90, ¿qué sería lo primero que harías?
Comprar acciones de Apple (risas).
En los 90, vender millones de discos era el objetivo, pero hoy es diferente. ¿Qué crees que se ha ganado y se ha perdido en la industria musical con este cambio?
Creo que es mucho más fácil ser artista y buscar tu base de fans. Hoy en día con una computadora, un micrófono y un interfaz en tu habitación puedes hacer música y lo puedes hasta subir tú mismo a una plataforma. Es mucho más fácil en esa parte, pero lo que hace falta, tal vez, es el desarrollo del artista, ese tiempo que se toma para aprender: cómo presentarse en entrevistas, cosas que tienen que ver con el negocio, asegurar que están puliendo su sonido también. Hoy dicen que hay que sacar música cada 30 días, sea lo que sea. Yo vengo de una escuela donde se sacaba un álbum cada dos años y en esos dos años salías de gira, hacías promoción y luego te escondías.
Las redes sociales cambiaron todo.
Hoy en día requieren mucho más del artista. Quieren saber qué es lo que está haciendo, qué es lo que está comiendo, con quién anda. O sea, todo y yo creo que en cierto modo afecta a la música. Tiene cosas buenas y otras no tanto, pero al final uno no puede pelear contra lo que viene, contra el futuro y la tecnología, uno tiene que adaptarse.
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